CUBISMO
Historicamente o Cubismo originou-se na obra de Cézanne,
pois para ele a pintura deveria tratar as formas da natureza como se fossem
cones, esferas e cilindros. Para Cézanne, a pintura não podia desvincular-se da
natureza, tampouco copiava a natureza; de fato, a transformava. Ele dizia:
“Mudo a água em vinho, o mundo em pintura”. E era verdade. Em suas telas, a
árvore da paisagem ou a fruta da natureza morte não eram a árvore e a fruta que
conhecemos – eram pintura. Preservavam-se as referências exteriores que as
identificavam como árvore ou fruta, adquiriam outra substância: eram seres do
mundo pictórico e não do mundo natural. Por isso, é correto dizer que Cézanne
pintava numa zona limite, na fronteira da natureza e da arte.
Entretanto, os cubistas foram mais longe do que Cézanne. Passaram a representar
os objetos com todas as suas partes num mesmo plano. É como se eles estivessem
abertos e apresentassem todos os seus lados no plano frontal em relação ao
espectador. Na verdade, essa atitude de decompor os objetos não tinha nenhum
compromisso de fidelidade com a aparência real das coisas.
O pintor cubista tenta representar os objetos em três dimensões, numa
superfície plana, sob formas geométricas, com o predomínio de linhas retas. Não
representa, mas sugere a estrutura dos corpos ou objetos. Representa-os como se
movimentassem em torno deles, vendo-os sob todos os ângulos visuais, por cima e
por baixo, percebendo todos os planos e volumes.
Principais características:
• geometrização das formas e volumes
• renúncia à perspectiva
• o claro-escuro perde sua função
• representação do volume colorido sobre superfícies planas
• sensação de pintura escultórica
• cores austeras, do branco ao negro passando pelo cinza, por um ocre apagado
ou um castanho suave
Braque e Picasso, seguindo a lição de Cézanne deram inicio à geometrização dos
elementos da paisagem. Braque enviou alguns quadros para o Salão de Outono de
1908, onde Matisse, como membro do júri, os viu e comentou: “Ele despreza as
formas, reduz tudo, sítios, figuras e casas, a esquemas geométricos, a cubos”.
Essa frase, citada por Louis Vauxcelles, em artigo publicado, dias depois, no
Gil Blas, daria o nome ao movimento.
O cubismo se divide em duas fases:
Cubismo Analítico
- (1909) caracterizado pela desestruturação da obra em todos
os seus elementos. Decompondo a obra em partes, o artista registra todos os
seus elementos em planos sucessivos e superpostos, procurando a visão total da
figura, examinado-a em todos os ângulos no mesmo instante, através da
fragmentação dela. Essa fragmentação dos seres foi tão grande, que se tornou
impossível o reconhecimento de qualquer figura nas pinturas cubistas. A cor se
reduz aos tons de castanho, cinza e bege.
Cubismo Sintético
- (1911) reagindo à excessiva fragmentação dos objetos e à
destruição de sua estrutura. Basicamente, essa tendência procurou tornar as
figuras novamente reconhecíveis. Também chamado de Colagem porque introduz
letras, palavras, números, pedaços de madeira, vidro, metal e até objetos inteiros
nas pinturas. Essa inovação pode ser explicada pela intenção dos artistas em
criar efeitos plásticos e de ultrapassar os limites das sensações visuais que a
pintura sugere, despertando também no observador as sensações táteis.
Principais artistas:
Pablo Picasso
- (1881-1973) Tendo vivido 92 anos e pintado
desde muito jovem até próximo à sua morte passou por diversas fases: a fase
Azul, entre 1901-1904, que representa a tristeza e o isolamento provocados pelo
suicídio de Casagemas, seu amigo, são evidenciados pela monocromia e também a
representa a miséria e o desespero humanos; a fase Rosa, entre 1904-1907, o
amor por Fernande origina muitos desenhos sensuais e eróticos, com a paixão de
Picasso pelo circo, iniciam-se os ciclos dos saltimbancos e do arlequim. Depois
de descobrir as artes primitivas e africanas compreende que o artista negro não
pinta ou esculpi de acordo com a tendência de um determinado movimento
estético, mas com uma liberdade muito maior. Picasso desenvolveu uma verdadeira
revolução na arte. Em 1907, com a obra Les Demoiselles d’Avignon começa a
elaborar a estética cubista que, como vimos anteriormente, se fundamenta na
destruição de harmonia clássica das figuras e na decomposição da realidade,
essa tela subverteu o sentido da arte moderna com a declaração de guerra em
1914, chega ao fim a aventura cubista. Também destacamos a obra Guernica que
foi mostrada pela primeira vez na Exposição Internacional de Paris, em 1937.
Foi concebido e executado com grande rapidez em seu estúdio em Paris. Picasso
pretendia que seu quadro fosse uma denúncia contra a s mortes que estavam
destruindo a Espanha na terrível Guerra Civil (1936-39), e contra a perpétua
desumanidade do Iníciom. A motivação imediata do quadro foi a destruição de
Guernica, capital da região basca, no dia da feira da cidade, 26 de abril de
1937. Em plena luz do dia, os aviões nazistas, sob as ordens do general Franco,
atacaram a cidade indefesa. De seus 7 mil habitantes, 1654 foram mortos e 889
feridos.
Algumas das frases de Pablo Picasso:
"A obra de um artista é uma espécie de diário. Quando o pintor, por
ocasião de uma mostra, vê algumas de suas telas antigas novamente, é como se
ele estivesse reencontrando filhos pródigos - só que vestidos com túnica de
ouro”.
"A Arte não é a verdade. A Arte é uma mentira que nos ensina a compreender
a verdade".
“Braque sempre disse que na pintura só conta a intenção. É verdade. O que conta
é aquilo que se faz. É isso o importante. O que era afinal o mais importante no
cubismo, era aquilo que se queria fazer, a intenção que se tinha. E isso não se
pode pintar”.
“Nada pode ser criado sem a solidão. Criei em meu redor uma solidão que ninguém
calcula. É muito difícil hoje em dia estar-se sozinho, pois existem relógios.
Já alguma vez se viu um santo com relógio?”
“Não sou nenhum pessimista, não detesto a arte, pois não poderia viver sem lhe
dedicar todo meu tempo. Amo-a como a minha única razão de ser. Tudo que faço
relacionado com a arte dá-me a maior alegria. Mas por isso mesmo não vejo por
que razão todo o mundo pretende interrogar a arte, exigindo-lhe certificados,
deixando correr livremente sua estupidez em relação a este tema”.
Georges Braque
- (1882-1963, 81 anos) Foi um pintor e escultor
francês que juntamente com Pablo Picasso inventaram o Cubismo. Braque iniciou a
sua ligação as cores, na empresa de pintura decorativa de seu pai. A maior
parte da sua adolescência foi passada em Le Havre, mas no ano de 1889, mudou-se
para Paris onde, em 1906, no Salão dos Independentes, expôs as suas primeiras
obras no estilo de formas simples e cores puras (fovismo. No Outono de 1907,
conheceu Picasso com quem se deu quase diariamente até que em 1914 devido a
Grande Guerra se separaram. Braque foi mobilizado e ferido na cabeça em 1915,
tendo sido agraciado com a Cruz de Guerra e da Legião de Honra. Durante dois
anos, devido ao ferimento esteve afastado da pintura.
- (1887-1927), pintor espanhol que aderiu ao
cubismo em 1912, era um Iníciom muito lúcido em cuja arte o fator
racionalizante tinha grande peso. Por essa razão, não conseguiu entregar-se
totalmente à liberdade nventiva de Picasso e Braque, mantendo seu cubismo
preso a uma composição formal muitas vezes rígida e fria. Não obstante, dá uma
contribuição importante ao introduzir no cubismo uma visão nova do espaço como
espaço-tempo, ao decompor o objeto no plano, buscando exprimir as várias etapas
de sua apreensão no tempo.
- (1881-1955) se desenvolveu o seu cubismo numa
direção diferente de Braque e Picasso. Se também ouviu a frase de Cézanne, que
chamava a atenção para a geometria contida nos objetos naturais, passou a
pintá-los não como se fossem cubos, mas como cilindros e cones, tal como se
observa em seu quadro “Nus dans la forêt” (1909-10). Léger nunca atingira o
grau de abstração dos dois mestres cubistas, Picasso e Braque.
De origem modesta, de família de camponeses normandos, desde cedo se interessou
pelo desenho, o que o leva a Caen, capital da Alta Normandia, França, aos
dezesseis anos, onde trabalhou como aprendiz de arquiteto. Em 1900, mudou-se
para Paris, onde em um escritório de arquitetura e retoques fotográficos
trabalhou como desenhista. Reprovado no exame de ingresso da Escola de
Belas-Artes de Paris, estudou na Escola de Artes Decorativas e na Academia
Julien; frequentando ainda vários ateliês, entrando em contato com a arte de
Cézanne.
Aproxima-se dos cubistas em 1909, conhecendo os poetas Apollinaire, Max Jacob,
Blaise Cendrars, os pintores Albert Gleizes, Robert Delaunay e, mais tarde,
Georges Braque e Pablo Picasso. Em 1911, expôs no Salão dos Independentes e, no
ano seguinte, participa da Section D’Or, e publica seu ensaio ‘Les origines de
la peinture contemporaine’, na revista Der Sturm. Em contato com o Cubismo,
Léger não aceitou sua representação exclusivamente conceitual, suas abstrações
curvilíneas e tubulares contrastavam-se com as formas retilíneas preferidas por
Picasso e Braque, e preconizavam uma aproximação às imagens orgânicas
surrealistas.
Robert Delaunay
(1885-1941), pintor francês o seu caminho no
movimento cubista, o levaria a uma redescoberta da cor e do ritmo espacial, que
daria à sua pintura algo de composição musical. Quando em 1912, pintou seus
“Discos simultâneos”, uma nova vertente surgiu no cubismo, à qual o poeta
Apollinaire daria o nome de orfismo. AS fontes da pintura de Delaunay são as
mesmas de Braque, ou seja, a lição cezanniana, que estão evidentes na séria de
“Villes”, suas primeiras telas cubistas. Nelas, ele abdica das cores vivas que
marcaram sua pintura anterior. Ele cria um novo repertório de signos (ou
objetos figurativos). Como Léger, ele chega rapidamente a uma linguagem
abstrata, que se aproxima do decorativo, mas de que ele se afasta imprimindo em
sua pintura a preocupação de expressar o dinamismo da vida moderna. A partir de
1912, Delaunay recorre à cor como seu meio de expressão. Interessa-se pela lei
dos contrastes simultâneos de Chevreul, que servirá de pretexto para suas
“frases cromáticas” e outras obras, fundadas na exploração daqueles
contrastes.
DESDOBRAMENTOS DO CUBISMO NO BRASIL
Dos artistas brasileiros destacamos:
Tarsila do Amaral
- (1886 - 1973) Aluna de seu amigo Fernand Léger por apenas
algumas semanas em outubro 1923, Tarsila absorveu do mestre sua característica
síntese geométrica. Também próxima de outro cubista, este mais militante,
Gleizes, com ele a pintora paulista aprendeu a estruturar o quadro, sem
figuração, não planos ou recortes de figuras dispostas, mas planos interligados,
integrados. Ao contrário da experiência relâmpago com Léger, a passagem pelo
ateliê de Gleizes foi mais duradoura e marcante na sua obra posterior. De volta
do Brasil, em dezembro de 1923, dá entrevista ao Correio da Manhã em que se
autodenomina uma pintora cubista “movimento que nasceu com a fragmentação da
forma”. Era, pois, a continuação do impressionismo “a fragmentação da cor”.
“Estou ligada a esse movimento que tem produzido efeitos nas indústrias, no
mobiliário, na moda, nos brinquedos, nos 4 mil expositores do Salão de Outono e
dos Independentes”, disse ela ao jornal em reportagem publicada no dia de
Natal.
Apesar de não ter exposto na Semana de 22, colaborou decisivamente para o
desenvolvimento da arte moderna brasileira, pois produziu um conjunto de obras
indicadoras de novos rumos. Em 1923, quando esteve na Europa manteve contato
com artistas europeus, além de Léger, Picasso, De Chirico e Brancussi. Em 1928,
deu início a uma fase chamada Antropofágica. A essa fase pertence a tela
Abaporu cujo nome, segundo a artista é de origem indígena e significa
“Antropófago”. Também usou de temática social nos seus quadros como na tela
Operários.
Rego Monteiro
- (1899-1970) Fez grandes obras pós-cubistas.
Uma de suas mais famosas é “Mulher Diante do Espelho”, de 1922. “Minha pintura
não poderia existir antes do cubismo, que me legou as noções de construção, luz
e forma”, disse Monteiro certa vez. Morando em Paris desde 1911 (chegou lá com
12 anos), participou efetivamente de seu ambiente artístico e se tornou membro
do Salon dês Indépendants, onde expôs diversas vezes. Em meados da década de
20, o pintor foi convidado a integrar o famoso Grupo da Galeria L’effort
Moderne, de Léonce Rosenberg, que reunia a “trinca de ouro do cubismo”
(Picasso, Braque e Gris), mais Gleizes, Metzinger, Léger, Herbin e Severini.
Voltou ao Brasil em 1933, aos 34 anos.
CUBISMO: O VERDADEIRO INICIO DA ARTE CONTEMPORÂNEA
De fato, do cubismo nasceu a arte geométrico-construtiva,
uma vez que nele se inspirou Piet Mondrian para criar o neoplasticismo, de que
derivaria a arte concreta, a arte neoconcreta brasileira e a optical art; o
papier collé, introduzido nos quadros cubistas por Braque e Picasso, estão na
origem das colagens de Kurt Schwitters que, mais tarde, com seus merzbilder,
criaria as primeiras ‘instalações’; também, através de Picabia e Duchamp, que
aderiram ao cubismo, dá origem ao dadaísmo e ao futurismo, movimentos que
tiveram grande influência do desenrolar da arte moderna, principalmente o
primeiro, inspirador da arte pop americana. O cubismo influiu sobre as
vanguardas russas do começo do século, desdobrando-se ali no suprematismo, de
Malevitch, no construtivismo, Pevsner e Gabo, bem como nos contra relevos de
Tatlin e Rodchenko. Deve-se acrescentar ainda a antecipação, ali verificada, da
arte objeto, uso de novos materiais e a reciclagem dos chamados objetos do
cotidiano, de que são exemplos as ‘esculturas’ (bandolins, guitarras, etc.)
construídas por Picasso por volta de 1911 e 12.
Em face de tão raro fenômeno, cabe perguntar por que teve o cubismo papel tão
decisivo e fecundador a arte do século 20. A resposta está obviamente na
natureza desse movimento, nos fatores que o engendraram, na nova atitude em
face a arte, adotada pelos seus dois protagonistas, o espanhol Pablo Picasso e
o francês Georges Braque.
De nenhum movimento artístico é possível dizer em que data exata nasceu, uma
vez que se trata de um processo, de uma síntese de fatores convergentes que vão
aos poucos ganhando corpo e se definindo. Com o cubismo não foi diferente.
Críticos e historiadores, na sua maioria, admitem que dois fatores mais
importantes que determinaram o nascimento do cubismo foram, de um lado, a
influência de Cézanne sobre Braque e, de outro, a descoberta da escultura negra
por Picasso. Naturalmente, a ação desses fatores foi estimulada esgotamento da
linguagem impressionista. Assim, o sentido de construção formal, comum à
pintura de Cézanne e à escultura negra, forneceu aos jovens Braque e Picasso as
armas necessárias para agirem à linguagem invertebrada do impressionismo
agonizante. Deve admitir, com Guillaume Apollinaire, que o fauvismo de André
Derain e Henri Matisse já havia aberto o caminho para uma arte mais construída
e menos sujeita à imitação do mundo exterior. O pontilhismo de Seurat, por sua
objetividade construtiva, também de algum modo preparou o terreno para a
mudança futura. Mas nem um nem outro tocava no cerne da questão que deflagrou a
reviravolta estética promovida pelo cubismo.
++Braque.jpg)
,+1912,++Fernand_L%C3%A9ger.jpg)
+,+1911-1912++Fernand_L%C3%A9ger,_1911-1912.jpg)
